維也納愛樂的成員來自於維也納國家歌劇院（Wiener Staatsoper)，音樂會演出時改稱為維也納愛樂 Wiener Philharmoniker，屬於私人組織。維也納愛樂的總部設於維也納金色大廳（Musikverein）。
自1933年起，樂團不再設有首席指揮一職，只有客席指揮。指揮家布魯諾·瓦爾特 Bruno Walter 曾說：「一百年過去了，當時建團的樂手都已離去。現在的樂手是新的一批人。但維也納愛樂仍是維也納愛樂。全因這份傳統一代一代保留了下來。」
一百七十餘年來，維也納愛樂曾受兩次重創：1848 年歐洲風起雲湧的革命浪潮，讓甫創立的樂團一度停擺；第二次世界大戰，讓樂團形同解散。但今日的維也納愛樂，其音色之絕美，旋律之優雅，表情之高貴，威名不墜舉世無雙，究竟其不傳之祕為何？傳統是什麼？唯物論者稱其樂器的傳統與演奏法的一統。從木管到銅管，以及弦樂的演奏與風格，維也納愛樂已經建構出一套固定的演奏方法。指揮大師梅塔更直指：「團裡使用的樂器，都還跟先人們一樣呢。」
紐約時報曾以此專訪團員，法國號手認為，他們使用的是比更難演奏的傳統「維也納號」，音量上與樂團更加協調，卻不會影響銅管原有的個性，音色也有如蜜糖般的圓潤。而雙簧管樂手則說，比起當代的雙簧管，維也納式的顫音比較短促。現場聆聽時，會呈現一種更自然而優雅的貴族風格。小提琴首席何內克（Rainer Honeck）更表示，傳統的維也納風格，會把三拍子的節奏，在二三拍之間時間稍稍拉長一點，產生一種搖擺、悠閒與無可預期，張弛之間會形成自然的張力。聽者只需聆聽卡拉揚指揮柏林愛樂的史特勞斯圓舞曲，以及大師1987年指揮維也納新年音樂會的同曲演繹，就可以清楚的感受其中的差異性。問題是，每個歷史悠久的樂團，或多或少都會使用傳統的樂器。廿世紀甚至興起一波仿古樂器演奏的浪潮，為什麼沒有人像維也納愛樂，經典音色歷經170年來依然屹立不搖？
另有論者認為，維也納愛樂的聲音祕訣，關鍵在於團員的來源。原本只限定維也納國家歌劇院的團員，但因招考者眾，後來更進一步限制「需在劇院工作滿三年後方可申請」。而這三年的期間，足以讓新進人員在樂團中，學習、理解、更進一步內化何為「維也納傳統」。於是當進入維也納愛樂時，其演奏的風格，便很自然地演繹出前人代代相傳的文化底藴。
更有甚者，許多進入愛樂的團員，自小便是聆聽維也納愛樂長大的在地人。對他們而言，「維也納傳統」不是演奏技巧，也不是音樂風格，其實就是浸淫其中生長於斯的土壤養分。對他們而言，音樂就該是這種聲音，旋律線的吟詠，節奏的躍動，天賦人權生而有之，何必學呢？文勝於質也好，道進於技也罷，談到維也納愛樂的唯美音色，絕對不能忽略「金色大廳」。
在全球最重要的音樂廳中演出，所有團員演奏的方式，都是為了配合金色大廳的音響特性。再者，回溯維也納愛樂的聲名，需待金色大廳落成後，在漢斯．李希特、馬勒與眾位偉大作曲家與指揮的帶領下，方才真正成為重要的頂尖樂團。尤有甚者，直到1900年的法國世博會之前，維也納愛樂的演奏沒有離開過金色大廳！——換言之，從李希特、布拉姆斯、布魯克納到馬勒等等⋯⋯所有的藝術巨匠都在金色大廳中，為維也納愛樂找出最好的聲音。
於是我們知道，為何這個樂團代表了古典音樂一百七十年來的歷史縮影。因為藝術巨匠們的畢生成就，早已透過維也納愛樂的美妙音色，直接與當代聽眾跨時空交會。